PUBLICIDAD I

ANÁLISIS DE LA COMPOSICIÓN

• DENNOTATIVO 

Se analiza el significante. Es un análisis puramente descriptivo. Contamos lo que física y formalmente percibimos. Es un comentario objetivo en el que analizaremos los distintos elementos de la imagen: composición, encuadre, color, texto, y en el caso de imágenes audiovisuales también angulación, movimiento de cámara y elementos sonoros.

• CONNOTATIVO 

Se analiza el significado. Es un análisis interpretativo. Contamos lo que evoca, sugiere o pretende la imagen, muchas veces no de forma explícita sino de forma subliminal (lo que es percibido sin que el espectador sea consciente de ello) o mediante la asociación de ideas. Es un comentario subjetivo ya que el análisis de la imagen depende de los referentes culturales, políticos, psicológicos, etc... del espectador y del interprete; en cualquier caso, nos referiremos siempre a referentes comunes del imaginario colectivo y a las convenciones simbólicas cultural y socialmente aceptadas más que a interpretaciones basadas en gustos o prejuicios personales ya que la publicidad, el cine, o los memes se dirigen al público en general o a grupos con referentes y códigos muy concretos, no a personas individuales. 

denotativo: 
-Localización: la imagen está sacada de una revista.

-Soporte: es una imagen fija que también se encuentra en paneles publicitarios.

-Descripción del escenario: la protagonista de esta imagen publicitaria se encuentra en la cama de una habitación, donde a su lado aparece un perfume, el producto que se va a publicitar.

-Encuadre: el ángulo de la imagen nos permite ver en un primer plano a la mujer con el perfume que se está anunciando y de fondo se puede apreciar una habitación.

-Luz: el foco principal de luz se encuentra encima de la mujer; las sombras se pueden apreciar en la pared, al fondo de la imagen; la iluminación parece natural y a su vez apoyada por focos para dar más luz al producto publicitario y a la mujer que lo anuncia.

-Colores: los colores que predominan en esta imagen publicitaria son diferentes tonos rosáceos. En cuanto al grado de saturación, la imagen parece estar saturada, dado que si no tuviera saturación tendería a colores más apagados y en esta imagen el color parece bastante vistoso.


connotativo: El producto al que se hace publicidad es una colonia que transmite sensualidad, lo que atrae al público a comprarlo para poder adoptar esa actitud. La modelo es una actriz conocida por lo que la publicidad es aún mayor.

Más ejemplos como ejercicio:

A).

                      B).(fotografía)

C).

D)..

"LA NARANJA MECÁNICA"

      

Título	La naranja mecánica (España e Hispanoamérica)
Ficha técnica
Dirección	Stanley Kubrick
Ayudante de dirección	Derek Cracknell Dusty Symonds
Dirección artística	Russell Hagg Peter Sheilds
Producción	Stanley Kubrick
Diseño de producción	John Barry
Guion	Stanley Kubrick
Basada en	La naranja mecánica de Anthony Burgess
Música	Walter Carlos
Maquillaje	Barbara Daly George Partleton Freddie Williamson
Fotografía	John Alcott
Montaje	Bill Butler
Vestuario	Milena Canonero
Protagonistas	Malcolm McDowell Patrick Magee Adrienne Corri Miriam Karlin

Datos y cifras
País	Reino Unido1​ Estados Unidos1​
Año	1971
Género	Drama Ciencia ficción Comedia negra
Duración	136 minutos2​
Clasificación	R  M-18    M-16
Idioma(s)	Inglés
Formato	35 mm
Compañías
Productora	Warner Bros. Hawk Films
Distribución	Warner Bros. Pictures
Estudio	Pinewood Studios
Presupuesto	$2.200.0003​ (estimado)
Recaudación	$26.589.3553​ (Estados Unidos)
Películas de Stanley Kubrick
2001: A Space Odyssey (1968)	A Clockwork Orange	Barry Lyndon (1975)

La naranja mecánica (título original: A Clockwork Orange) es una película angloamericana de ciencia ficción, drama y sátira de 1971, producida, escrita y dirigida por Stanley Kubrick. Es una adaptación fílmica de la novela homónima de 1962, escrita por Anthony Burgess.​ La película, que fue filmada en Reino Unido, muestra al personaje Alex DeLarge (interpretado por Malcolm McDowell), un delincuente sociópata y carismático, cuyos placeres son la música clásica (especialmente Beethoven), la violación y la «ultraviolencia».

Lidera una banda de matones (Pete, Georgie y Dim), a los que llama drugos (del término ruso друг, 'amigo, colega'), con los que comete una serie de violentas fechorías. Es capturado y se le intenta rehabilitar a través de una técnica de psicología conductista. Alex narra la mayor parte del filme en nadsat, una jerga adolescente ficticia que combina lenguas eslavas (especialmente ruso), inglés y la jerga rimada cockney. En España e Hispanoamérica, algunos términos fueron adaptados al idioma.

La película se caracteriza por contenidos violentos que facilitan una crítica social en psiquiatría, el pandillerismo juvenil, las teorías conductistas en psicología y otros tópicos ubicados en una sociedad futurista distópica. Su banda sonora está principalmente compuesta por pasajes de música clásica, varios de ellos reinterpretados y en ocasiones, como en el caso de los créditos, adaptados por la compositora Wendy Carlos utilizando el sintetizador Moog.

La película pese a su polémica fue nominada a numerosos premios del cine, destacando sus cuatro nominaciones al Óscar, entre ellas la de mejor película,​ convirtiéndola en la primera película de ciencia ficción en ser nominada en dicha categoría; sin embargo, no ganó el premio.Forma parte de la lista AFI's 10 Top 10 en la categoría de películas de ciencia ficción.

MOVIMIENTOS DE CÁMARA

TRABAJO VOLUNTARIO

LA MONJA

Es una película estadounidense de terror sobrenatural gótico dirigida por Corin Hardy.​ El guion fue escrito por Gary Dauberman y James Wan. Es una película derivada de The Conjuring 2 (2016) y la quinta entrega de la saga The Conjuring. Está protagonizada por Demián Bichir, Taissa Farmiga, Jonas Bloquet y Bonnie Aarons, repitiendo el papel de Valak/La monja.​ La película se estrenó el 7 de septiembre de 2018 por Warner Bros Pictures y recibió críticas fuertes del público, con elogios por las actuaciones y la atmósfera creada, pero no por su narrativa. La película se convirtió en un éxito de taquilla; recaudando más de $360 millones de doláres, contra un presupuesto de $22 millones.Género: Suspense,Terror,Thriller

James Wan

El cineasta James Wan, director de películas de terror de enorme éxito como "Expediente Warren: The Conjuring" y "Expediente Warren: El caso Enfield", se adentra en otro rincón oscuro de ese universo con "La Monja”.

Dirigido por Corin Hardy ("The Hallow"), este nuevo festival de terror está producido por Wan y por Peter Safran, que ha ejercido de productor de todas las películas de la franquicia de "Expediente Warren".

Peter Safran

Corin Hardy

Se sitúa en la historia, cronológicamente hablando, años antes de que el universo de Expediente Warren apareciese, en los años 50. Una joven monja de clausura de una abadía de Rumanía se quita la vida. Para investigar lo sucedido, el Vaticano envía a un sacerdote con un pasado tormentoso y a una novicia a punto de tomar sus votos. Juntos van a descubrir el profano secreto de la orden. Y arriesgan no solo sus vidas sino también su fe y sus almas al enfrentarse a una fuerza maléfica que se encarna en la misma monja endemoniada que aterrorizó a los espectadores en "Expediente Warren: El caso Enfield". La abadía se convierte así en un aterrador campo de batalla entre vivos y condenados .

PERSONAJES

“La Monja" está protagonizada por el actor nominado al Oscar Demian Bichir ("Una vida mejor (A Better Life)") que da vida al Padre Burke, por Taissa Farmiga (serie de TV "American Horror Story: La casa del crimen") como la Hermana Irene, y por Jonas Bloquet ("Elle") que interpreta a Frenchie, un vecino del pueblo. El reparto también incluye Charlotte Hope (serie de TV "Juego de tronos") como la Hermana Victoria de la abadía, Ingrid Bisu ("Toni Erdmann") como la Hermana Oana, y Bonnie Aarons, que retoma su papel en "Expediente Warren: El caso Enfield" en el papel que da título a la película.

CRÍTICA

Para empezar, al ver esta película en el cine a pesar de las críticas en internet sobre errores o que realmente no era tan buena... para mí es falso. He disfrutado muchísimo al verla hasta el final. Considero que no es la mejor película pero te deja en tensión a cada minuto. Por otro lado, me pareció extraño los diálogos más cómicos siendo una película de terror. Es verdad que, a veces, el espectador necesita descansar al tener tanta tensión por los sustos y la intriga pero personalmente han logrado que no haya sido tan pesado.

Los temas sobre los que se centra La Monja son la religión y el demonio.


En La Monja veremos como el personaje de Valak es el gran presidente del infierno y nos dará algunas de las escenas más inquietantes junto a la legión de los demonios que tiene a su mando. Estos, a través de rituales satánicos, pondrán en peligro la vida de los tres protagonistas de la historia en un lugar en común, la oscuridad, un elemento esencial y bien trabajado en este largometraje.

Otros aspectos que funcionan a la perfección en La Monja (y son su factor estrella) son los que ya forman parte del sello de identidad de la saga Expediente Warren. Por ejemplo, las cruces que se mueven y se quedan al revés, los espejos y algunos silencios marca de la casa Wan que nos pillan desprevenidos y nos regalan sustos imprevisibles.

En general hemos de decir que no llegamos a conectar del todo con los personajes de la película en cuanto a narración se refiere; sí con su interpretación, pero no en el fondo de ellos, dado que a nivel de construcción decaen un poco. Se podría haber profundizado más en ellos.

Como factor sorpresa positivo nos quedamos con ver crecer a nivel interpretativo, cada día más, a Taissa Farmiga y con la fotografía del filme. Este mezcla la atmósfera de terror de las anteriores con el terror gótico ambientado en esos castillos de la zona de Rumanía. Un gran trabajo de Maxime Alexandre.

El guion de La monja es sencillo, los sustos son clásicos y los recursos para espantar (sobre todo la utilización de efectos de sonido) son convencionales. Pero no es cuestión de rutina o de pereza. Corin Hardy (The Hallow) se revela seguro con su juguete de terror, no tiene el complejo de inferioridad de los directores que creen que deben llevar el terror a una dimensión más insigne para destacar. No busca la originalidad, sino la eficacia. Y La monja es eficaz y, por honesta y sin complejos, accidentalmente sofisticada.


Funciona como macabra atracción de feria, con sus terrores detrás de la puerta, su iconografía perturbadora (el uso de la iconografía religiosa es extraordinario), sus gritos en la oreja –y el aire congelado en la nuca– y sus apariciones inesperadas de personajes escalofriantes. Igual no se ajusta al patrón estético y a las corrientes temáticas del terror comercial contemporáneo (aunque hay cierta confusión ahí, porque ese patrón es bastante más flexible que en otras épocas), pero su maquinaria funciona tan bien que ni expulsa al no iniciado ni exige demasiada complicidad. Lo mismo pasa con su naturaleza referencial. En La Monja se encuentran, entre otras cosas, la Hammer (los decorados, que son una maravilla, la utilización de la luz ) , la Nunsploitation, los exploits italianos de terror de los 70, las películas de Lucio Fulci, el fantaterror español… Pero, por extraño que parezca, el resultado no es un ejercicio de nostalgia rancio y/o excluyente.

Y es así porque todo lo demás funciona, y porque esas referencias se funden con el relato, no son guiños cómplices ocasionales. Antes aludía a su condición de hermosa pesadilla visual, otra de las cosas que distingue a La Monja. Hardy orquesta el horror con puso y muy buen gusto, alcanzando en algunas escenas una sofisticación inesperada en la puesta en escena, la coreografía de los elementos en plano y el montaje de la pesadilla. Un estilo (que a ratos bordea con timidez el experimento) que le acerca esporádicamente al inmenso James Wan, padre de la saga (aquí ejerce de artífice de la historia –con Gary Dauberman–, productor y director de segunda unidad) e impulsor de una de las franquicias más estimulantes del cine contemporáneo.

 TRAILER

JOHN WILLIAMS

INFO.

John Towner Williams (n. Floral Park, Nueva York; 8 de febrero de 1932) es un compositor y director de orquesta estadounidense. En una carrera que se ha extendido por más de seis décadas, Williams ha compuesto varias de las más famosas y reconocibles bandas sonoras de la historia del cine, muchas de ellas pertenecientes a las cintas más exitosas de todos los tiempos.

Ha trabajado con el célebre director Steven Spielberg

desde 1974 y ha compuesto la música de toda su obra, a excepción de tres películas. También ha realizado composiciones musicales para diversos Juegos Olímpicos, numerosas series de televisión, noticieros y varias piezas de concierto.


Williams ha ganado el Óscar en cinco ocasiones y tiene en su haber 51 nominaciones, consagrándolo como el segundo hombre con más nominaciones al máximo galardón del séptimo arte después de Walt Disney.​ También posee cuatro Globos de Oro, siete BAFTA y veintitrés Grammy.


En 2005, su obra en la banda sonora de Star Wars fue seleccionada por el American Film Institute como la obra musical más grande del cine estadounidense. Es uno de los compositores más reconocidos de música de cine; ha realizado la banda sonora de más de cien películas, sin contar la música para series de televisión.

BIOGRAFÍA

Nació el 8 de febrero de 1932 en Floral Park, Nueva York. Es el primogénito de Esther y John Williams Sr., y tiene dos hermanos y una hermana.​ Su padre fue un percusionista de jazz que tocó con el legendario quinteto de Raymond Scott.​ En 1948, la familia Williams se mudó a Los Ángeles; allí, John Williams asistió a la escuela secundaria North Hollywood High School, institución en la que se graduó en 1950. Luego se trasladó a la Universidad de California, donde estudió piano y composición, y tomó clases particulares con el compositor Mario Castelnuovo-Tedesco​ y con el pianista-arreglista Bobby Van Eps. ​En 1952, fue reclutado para la Fuerza aérea de los Estados Unidos, donde arregló y dirigió música para la banda de la fuerza aérea, como parte de sus deberes.​

Cuando su servicio militar terminó en 1955, Williams se trasladó a la ciudad de Nueva York y entró en la Escuela Juilliard, donde estudió piano con Rosina Lhévinne. ​→

En aquel período trabajó como pianista de jazz en varios estudios y clubes de Nueva York. También tocó para el compositor Henry Mancini en las bandas sonoras de Peter Gunn (1959), Días de vino y rosas (1962) y Charade (1963). A principios de la década de 1950 trabajó como arreglista y líder de banda para Frankie Laine y Vic Damone.​ En 1960 fue contratado por Columbia Records como pianista y compositor, donde realizó numerosos álbumes junto al compositor de origen alemán André Previn.​

Williams estuvo casado con la actriz Barbara Ruick desde 1956 hasta la muerte de ella por hemorragia intracraneal, el 3 de marzo de 1974. Juntos, tuvieron tres hijos: Joseph Williams (cantante y compositor), Mark Towner Williams (percusionista) y Jennifer Williams (médico). Se casó por segunda vez el 21 de julio de 1980 con Samantha Winslow, su actual esposa, con quien vive en la ciudad de Boston.​ Mantiene una estrecha amistad con los músicos Itzhak Perlman, Yo-Yo Ma y Seiji Ozawa; incluso les ha dedicado algunas obras.

MEJORES COMPOSICIONES Y MÁS RECONOCIDAS

"GOYA EN BURDEOS"

INFO.

Dirección: Carlos Saura
País: España
Fecha: 1999
Duración: 99 min
Guión: Carlos Saura
Producción: Andrés Vicente Gómez
Música: Roque Baños
Fotografía: Vittorio Storaro
Intérpretes: Francisco Rabal, José Coronado, Dafne Fernández, Maribel Verdú.
Mejor actor protagonista(premio): Francisco Rabal

SINOPSIS



A los 82 años y exiliado en la localidad francesa de Burdeos junto a Leocadia Zorilla de Weiss (Eulalia Ramón), la última de sus amantes, Francisco de Goya y Lucientes (Paco Rabal, que se llevó un Goya por este papel) reconstruye para su hija Rosarito (Dafne Fernández) los acontecimientos que marcaron su vida. Ésta se ha visto marcada por convulsiones políticas, pasiones emponzoñadas y el éxtasis de la fama. El pintor recuerda al Goya joven (José Coronado) que lucha por subir los resbaladizos peldaños de la Corte del rey Carlos IV, donde vive, y por el reconocimiento y la fortuna. Todo ello en medio de las intrigas de palacio y el juego de la seducción y mentira. También recuerda a su único y verdadero amor, la duquesa de Alba (Maribel Verdú), una mujer que redibujó su vida y la historia de su tiempo, y cuya existencia queda truncada por el veneno de las conspiraciones. Poco a poco se van desentrañando las claves de un artista genial que, sin embargo, nunca dejó de lado una sincera preocupación por su país y por su pueblo castigado por el absolutismo y humillado por las tropas del Ejército invasor del emperador Napoleón Bonaparte.


Goya en Burdeos es una película biográfica que  relata la vida del pintor (Zaragoza, España 1746 – Burdeos, Francia 1828). Por medio de flashbacks que le cuenta a su hija, se conoce al Goya joven, los sucesos que marcaron su vida personal y de pintor así como su relación con la Duquesa de Alba (Cayetana).

LA MUERTE Y EL AMOR 

Un punto que marca un antes y un después en su vida y su producción artística es la sordera; de la época de la luz y del color de la corte pasa a las pinturas negras y las series de caprichos; ello es aprovechado visualmente en la película para distinguir estéticamente entre dos periodos y plasmar el estado de ánimo del pintor.

El punto álgido de esta leyenda se halla en la pasión desatada por María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Álvarez de Toledo, XIII Duquesa de Alba. La relación con la noble está respaldada por la presencia continuada de la duquesa en su obra y por el carácter íntimo y familiar de algunas de las escenas que plasma en sus telas. La veracidad de estos amores es un enigma por descubrir y, aunque existen una serie de datos sin confirmar sobre los que parecen sostenerse los cimientos de este romance, la única prueba escrita que tenemos de la relación personal - no estamos hablando de amor- entre Goya y Cayetana es una carta que el pintor remite a su amigo Martín Zapater.

Por otro lado, estamos ante un hombre solitario, soledad que se pone de manifiesto en el aislamiento que le produce la sordera. Bigas Luna presenta a un Goya joven integrado en el círculo de la Duquesa de Alba. La sordera que padece se percibe, de manera directa, sólo una vez a lo largo del metraje: en el momento en el que Godoy le comenta que quiere que pinte a la Pepita Tudó desnuda. 

También, un modesto aragonés en medio de un escenario barroquizante en el que abundan modas y costumbres que le son ajenas, y es precisamente esta situación, y no la falta de oído de la que es víctima, la que le infunde soledad y provoca su aislamiento.

Una vez el envenenamiento de Cayetana , el cual es un gran misterio( a pesar de que Goya considere que fue por conspiración), Volavérunt relata el deceso de la duquesa de Alba del que Goya es testigo y que llega a sentirse culpable, la muerte, personificada en la imagen vestida de negro con la que el pintor retratara a la aristócrata, logra una fuerte presencia en la filmación de Saura durante los últimos días del pintor en Burdeos. Desde los primeros minutos del filme, el fantasma de Cayetana, ataviada de riguroso luto, se le aparece al artista en aquellos momentos en los que se le pone de manifiesto su delicada salud a modo de negra sombra rosalianda, paseando a su lado sin prestarle atención, sin mostrar interés; es un aviso de que la muerte está próxima.

En "Goya en Burdeos" , el pintor acabará sus días al lado de su definitiva pareja. Saura filma una relación familiar basada en el cariño y el respeto de una niña con su padre y en los cuidados que la mujer le otorga a un esposo viejo y enfermo. La relación de Goya y su hija, Rosarito, pasa por dos procesos a lo largo del filme.

En un primer momento, Rosarito es una chiquilla para Goya. Sus conversaciones son banales , destinadas a ilustrar a una niña pequeña que crece lejos de su país.

Más adelante, en una de sus conversaciones Rosarito comenta que ella ya dejó de ser una niña hace tiempo, ella sabía más cosas de las que él creía. Dicho esto, la muerte de la infancia/niñez de Rosarito se representa en una especie de parque o jardín lleno de niños, de su actual mujer, también Cayetana con sus amigas y, Goya joven. En este encuentro se escucha un ruido más allá de los árboles y se encuentran a Rosarito muerta en un charco.

 Existe una simbología que es utilizada constantemente " El espiral de la vida" , Goya se refiere a ella al principio de la película y es tomada al final de ésta. Es en el momento que está al final de sus días y Rosarito sube las escaleras corriendo para estar con él.

Después de la representación de Los desastres de la guerra , la cual se torna teatral van cambiando los tonos de color conforme transcurre la escena; son verdes cuando sucede la matanza, azules al salir supervivientes y recoger muertos, y blancos cuando éstos últimos son enterrados (Roque Baños: Goya en Burdeos). Al terminar esta escena, Goya aparece postrado en su cama reflexionando sobre quién es  y volviendo a la simbología de: "El espiral de la vida", ya que hace suaves movimientos con el dedo en el aire refiriéndose a este . Goya en Burdeos termina con la muerte del pintor, (MUERTE GOYA ) susurrando a Rosarito y después cuando ésta está, pronuncia el nombre de Cayetana. Tras un juego de sombras (la sombra de Rosario desaparece, la que representa a Cayetana envuelve desde arriba a Goya y luego se desvanece éste junto con la sombra de la duquesa) que representa su muerte y su reencuentro con La Duquesa de Alba . Por último, se toma el nacimiento de un niño con un manejo de color blanco como la nieve.

LEITMOTIV CAYETANA

https://www.youtube.com/watch?v=OyTVx0oTphk

"LOS SENDEROS DE GLORIA"

INFO.

- Género:  Drama/Guerra

-Autor: Stanley Kubrick

-Fecha: 1957                   

-Sonido: Martin Müler

-Música: Gerald Fried

  

       SINOPSIS

La historia se desarrolla en la Francia de 1916.

El ataque suicida del ejército francés contra las posiciones alemanas en la colina de las hormigas (ANT HILL), un punto estratégico de vital importancia para el desarrollo de la 1ª Guerra Mundial, se convierte ne un fracaso estrepitoso. Para escarmentar a las tropas con un castigo ejemplar, el general Mireau (George Macready), uno de los principales responsables del ataque y de su potente fracaso, convoca un consejo de guerra: tres soldados elegidos al azar por sus superiores son acusados falsamente de cobardía ante el enemigo y se enfrentan a la pena de muerte por fusilamiento.

EXPLICACIÓN DE LA ESCENA

A modo de falsa esperanza, el general recibe su merecido y una estremecedora secuencia - probablemente uno de los mejores finales de la historia del cine- se centra en las miradas de unos hombres cansados de luchar a base de órdenes que mandan dictadores desde sus cómodos despachos o desde trincheras protegidas.

El canto de la joven muchacha alemana (Christiane Harlon) es un prodigio de montaje. A través de primeros medios planos, vemos cómo un grupo de soldados franceses se divierten en un bar, puede que por última vez antes de salir de nuevo a combatir.

El dueño del local presenta a una asustada joven para que interpretase una canción. Los soldados como locos silban y gritan alterados por la presencia de una hermosa joven mientras ésta empieza débilmente una cancioncilla alemana que, paulatinamente, va convirtiéndose en la principal protagonista.

Los soldados se van callando y, uno a uno, van uniéndose a la muchacha en el canto. 

Es el dolor de un pueblo hundido y herido que ve la misma tragedia del enemigo. Incluso, la añoranza de sus esposas, madres, hermanas...; Primeros planos de ellos llorando no pueden ser más descriptivos.

Dax observa la escena desde fuera. Antes de irse esboza una leve sonrisa comprendiendo que en el ejército hay espacio para la humanidad, muy pequeño, muy breve.

TIPOS DE PLANOS

1. Plano Medio Corto

2. Plano Americano Conjunto

3. Plano Medio Corto

4.Plano Americano

5.  Primer Plano

6. Plano Entero

7. Plano Medio

8. Plano Medio

9. Plano Entero

10. Plano Entero

MI STORYBOARD

MÚSICA EN EL CINE

La música en el cine puede definirse como diegética o como extradiegética en función de su localización respecto al mundo de la ficción. El propio término “diégesis” hace referencia al desarrollo de una historia en un mundo de ficción. La música suele utilizarse para potenciar ciertas emociones en el espectador, para dar fluidez narrativa a determinadas escenas y acontecimientos o para generar una atmósfera acorde con el aspecto visual. Es importante distinguir entre estos dos tipos de música si se quiere entender el cine de una forma más precisa.

• M. DIEGÉTICA: 

Pertenece al mundo de la ficción, la que convive en el mismo plano que los personajes y permite que estos interactúen con ella. ej.: El propio silbido del actor


EJ.: TITANIUM-PITCH PERFECT

• M.EXTRADIEGÉTICA: 

La que está fuera de ese mundo y es añadida de manera artificial al desarrollo narrativo.

Estamos tan acostumbrados a que el cine utilice esta última que ya no nos damos cuenta de que no pertenece al mismo plano que los personajes. La música extradiegética se presenta así como un artificio narrativo con una carga expresiva bastante notable y mucho más enfática que la diegética, ya que es un recurso del director para subrayar el tono de algunas situaciones.

EJ.: NUNCA APAGUES LA LUZ

LEITMOTIV

 



¿QUÉ ES ?

Por lo general es una melodía o secuencia tonal corta y característica, recurrente a lo largo de una obra, sea cantada (como en la ópera) o instrumental (como una sinfonía). Así, una determinada melodía puede simbolizar a un personaje, un objeto, una idea o un sentimiento.


Un ejemplo bastante conocido: TIBURÓN ( Steven Spielberg ,1975) basada en la misma película de Peter Benchley.

• PARTITURA:

PLANOS SEGÚN SU ENCUADRE A RAÍZ DE MIS CREACIONES

• GRAN PLANO GENERAL: muestra un gran escenario o multitud, el sujeto queda camuflado en el entorno. Tiene sobre todo valor descriptivo.

•  PLANO GENERAL: muestra con detalle el contexto que rodea al sujeto. Se utiliza para definir a las personas en su entorno.

• PLANO ENTERO: encuadra justo la figura entera del sujeto, desde la cabeza a los pies. Se usa para dar más importancia al sujeto que al entorno.

• PLANO AMERICANO: encuadra desde la cabeza a las rodillas. Se llama americano porque se usaba en las películas del oeste para mostrar las pistolas de los personajes.

• PLANO MEDIO: muestra desde la cabeza hasta la cintura del sujeto. Se utiliza para mostrar la relación entre dos sujetos.

• PLANO MEDIO CORTO: encuadra al sujeto desde la cabeza hasta la mitad del torso. Este plano nos permite aislar una sola figura dentro de un recuadro, y descontextualizarla de su entorno para concentrar en ella la máxima atención.

• PRIMER PLANO: en las personas, encuadra el rostro y los hombros. Muestra confidencia e intimidad.

• PRIMERÍSIMO PRIMER PLANO:  es aquel que desde la frente del sujeto hasta la barbilla aproximadamente. Se trata de una ampliación del primer plano, con el que ganaremos cierto grado de intimidad y dramatismo, ya que estaremos muy próximos a la mirada de nuestro retratado, y eso nos hace ganar en proximidad y cercanía.

• PLANO DETALLE: muestra un objeto que queremos que se vea muy de cerca para que el espectador se dé cuenta de que tiene importancia